Los libros de arte que no puedes dejar de leer

El arte podría ser definido como una expresión creativa y estética humana, a través de la cual nos es posible...

May 13, 2025 - 04:06

El arte podría ser definido como una expresión creativa y estética humana, a través de la cual nos es posible plasmar emociones, ideas, sentimientos, pensamientos y percepciones del mundo, la realidad y la imaginación. El arte se manifiesta de muchas formas y mediante diversas disciplinas, utilizando recursos plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos para consolidar una visión particular.

A lo largo de la historia, se han definido siete tipos de arte principales: la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, la danza, la poesía y la literatura y el cine. En este sentido, se ha convertido en uno de los pilares más fundamentales de la cultura, reflejando sus concepciones políticas, económicas y sociales. Si quieres conocer más, descubre los libros de arte que no puedes dejar de leer.

Mejores libros sobre arte

Manual de arte prehistórico (2018), de José Luis Sanchidrián

Siguiendo en la línea de los libros históricos, presentamos el Manual de arte prehistórico, un volumen que arrastra un siglo de investigación sobre todo lo que se hizo antes de que los seres humanos aprendieran a escribir. Esto es, básicamente, arte e historia documentados, aplicados y actualizados en una apasionante aventura por la construcción de sociedades y cómo estas veían el mundo.

Este volumen viene a llenar un vacío en la bibliografía de la literatura científica actualizada sobre las primeras manifestaciones artísticas de la humanidad, pues, antes de la aportación de José Luis Sanchidrián, este tema había permanecido disperso en cientos de miles de documentos producidos durante más de un siglo de investigación. En este sentido, el autor ofrece información clásica, pero sin dejar de lado la innovación.

Frases de José Luis Sanchidrián

«La literatura científica actualizada sobre las primeras manifestaciones artísticas de la Humanidad, o Arte Prehistórico, se halla dispersa en un sinfín de tratados y publicaciones específicas. Este Manual de arte prehistórico viene a llenar un vacío existente en la bibliografía, puesto que recoge toda esa documentación producida durante más de un siglo de investigación».
«Si queremos fantasear y extrapolar dicha hipótesis a una situación de nuestros días, podemos situarnos ante aquella familia que adquiere una vivienda y desea decorarla para evitar la sensación de desnudez y frialdad que presentan sus paredes vacías, dándole de este modo un toque de calor y color a la misma, sin más pretensión».

Conceptos fundamentales de la historia del arte (2011), de Heinrich Wölfflin

¿Te has preguntado cómo cientos de años de arte pueden comprenderse a través de una visión moderna?, bueno, Heinrich Wölfflin se hizo esta misma interrogante, y la respondió en un libro perfecto para estudiantes y profesionales que deseen refrescar sus conocimientos. El autor aborda conceptos que intentan explicar si el arte es lineal, pictórico, superficial o profundo. Para ello, recorre todos los períodos y movimientos.

Wölfflin contrapone muchos estilos hasta lograr un análisis sustancioso que permite definir las pautas de la historia del arte en las que la pintura, la arquitectura, la escultura y la decoración pueden entenderse desde una visión más moderna. El libro responde a la necesidad de ordenar y conceptualizar la gran cantidad de hechos y datos que surgen del estudio del arte y su evolución histórica.

Frases de Heinrich Wölfflin

«Las formas adquieren significado para nosotros sólo porque reconocemos en ellas la expresión de un alma sensible (fühlend). Espontáneamente, animamos (beseelen) todo objeto».
«Sólo se puede trabajar con exactitud allí donde es posible captar el flujo de los fenómenos en formas fijas. La mecánica, por ejemplo, proporciona a la física tales formas fijas. Las humanidades carecen aún de este fundamento; sólo puede buscarse en la psicología…».

50 cosas que hay que saber sobre arte (2015), de Susie Hodge

El título de este libro no guarda ningún misterio, pero sí muchos hechos interesantes sobre la historia del arte. Podría decirse que se trata de una de esas guías introductorias que vienen a solucionar la vida de quienes desean adentrarse en un tema en específico. A través de las páginas de este volumen, el lector comprenderá el origen del arte y la evolución que ha tenido en tiempos modernos.

Si eres de esas personas que se siente incapaz de diferenciar el gótico del barroco o este último del rococó, si no tienes idea de qué es el surrealismo o no sabes quienes son Duchamp y Bansky, este libro podría abrirte muchas puertas en lo que a conocimiento sobre arte se refiere. Es una exploración divertida sobre las diferentes ideas, técnicas y creaciones que han marcado el devenir de la cultura.

Frase de Susie Hodge

«Como ocurre con la mayoría de las leyendas que rodean a los templarios, algunas de las conjeturas sobre el destino de los individuos parecen lógicas, mientras que otras sugerencias parecen bastante inverosímiles y fabricadas para un público ávido de misterios y teorías conspirativas».
«Con la expansión del cristianismo, el arte dirige su mirada a la cada vez más arraigada fe. Con una masa de población analfabeta, las imágenes se convierten en un medio para educar en la religión. Los mosaicos de la iglesia de San Vital en Rávena son un ejemplo cumbre de esta forma de expresión dedicada a glorificar la figura de Dios».

El jilguero (2014), de Donna Tartt

A diferencia de la mayoría de los libros en esta lista, la de este apartado es una novela. En ella, la autora teje una magistral historia de pérdida, obsesión y redención que sigue la vida de Theo Decker, un joven cuya existencia cambia para siempre tras sobrevivir a un atentado terrorista en un museo de Nueva York. En medio del caos, Theo roba impulsivamente una pequeña pero valiosa pintura titulada El jilguero, una obra maestra del siglo XVII que se transforma en un símbolo del dolor y anhelo del protagonista.

Huérfano después de la tragedia, Theo transita entre hogares y ciudades, desde el lujo del Upper East Side hasta el desierto de Las Vegas, enfrentándose a un torbellino de emociones y relaciones complejas. A medida que crece, su conexión con la pintura lo arrastra a un mundo de falsificaciones, crimen y peligros inimaginables, mientras lucha por encontrar un propósito y redimirse de las elecciones que lo atormentan.

«¿Existe algo así como ‘el defecto fatal’, esa llamativa grieta oscura que recorre la vida en medio de la literatura? Antes pensaba que no. Ahora creo que sí. Y creo que el mío es esto: un anhelo morboso por lo pintoresco a toda costa».
«Tuve la epifanía de que la risa era luz, y la luz era risa, y que este era el secreto del universo».

De lo espiritual en al arte (2018), de Vasili Kandinsky

Este es un tratado fundamental en la teoría del arte moderno, escrito por el pintor ruso Vasili Kandinsky, pionero del movimiento abstracto. En su obra, el autor explora la conexión profunda entre el arte y la espiritualidad, argumentando que el verdadero propósito de la expresión artística no es imitar la realidad externa, sino expresar las emociones internas y los estados del alma, algo que, por supuesto, no es falso.

A través de un análisis de los colores, las formas y la composición, el escritor desarrolla una teoría estética en la que cada elemento visual posee una resonancia espiritual. Publicado originalmente en 1911 y reeditado en 2018, este texto sigue siendo una guía esencial para entender la evolución del arte abstracto y la dimensión introspectiva del acto creativo. Kandinsky invita al lector a mirar más allá de lo visible y a comprender el arte como una herramienta de transformación interior.

Frases de Vasili Kandinsky

«El color es un poder que influye directamente en el alma. El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano de muchas cuerdas».
«Todos los métodos son sagrados si son necesarios internamente. Todos los métodos son pecados si no están justificados por la necesidad interna».

La historia del arte explicada a los jóvenes (2012), de Miquel Caralt Garrido y Fernando Casal

Muchos profesores de arte, sobre todo los de las academias, tienden a ofrecer clases que no se adaptan a los tiempos modernos, logrando que los estudiantes bostecen hasta languidecer en medio de una charla sobre los inventos de Da Vinci. Este libro es todo lo contrario a eso: con explicaciones amenas y un sentido práctico dirigido específicamente a los alumnos, cuenta la historia del arte desde sus inicios hasta finales del siglo XX.

Los profesores Miquel Caralt Garrido y Fernando Casal proponen un viaje que lleva a los lectores a través del arte prehispánico, pasando por el medieval, y, finalmente, llegando hasta los primeros movimientos artísticos y su evolución hasta nuestros días. El título contiene preguntas, respuestas, las obras más importantes de cada período y un pliego de imágenes como material de apoyo.

Frases de Miquel Caralt Garrido

«Habitualmente se ha calificado la Edad Media como una etapa oscura, sobre todo si la comparamos con la brillantez cultural de la Antigüedad grecorromana. De la caída del Imperio romano de Occidente resultó un nuevo panorama en el que la religión cristiana, con sus posteriores ramificaciones, canalizó gran parte del debate ideológico, y esto tuvo una repercusión inmediata en el terreno artístico».
«El arte medieval engloba un largo periodo de unos mil años, que se han subdividido en tres etapas: la primera de ellas, la Alta Edad Media, que abarca desde finales del siglo V hasta el siglo X, en la que convergen el arte paleocristiano, el arte de los pueblos germánicos, Bizancio, el arte islámico y el arte carolingio…».